Formas musicales por periodos históricos

El concepto forma tiene una gran importancia en la música. Al igual que en la literatura (novela, poesía, teatro…), en pintura (volúmenes, planos…), en escultura, arquitectura se necesita en música la forma para dar estructura a las composiciones sonora


Los esquemas que se establecen entre los sonidos (consideramos sonido a la unión de dinámicas, altura, duración, timbre, textura…de cuya utilización dependen armonía, melodía, y ritmo, y que pueden dar como resultado frases, motivos, temas…) para construir un sistema más amplio, proporcionan las distintas formas musicales. Por lo tanto, podemos definir a la forma desde el punto de vista estructural como un conjunto de rasgos generales, comunes a un número más o menos extenso de obras, que permiten establecer comparaciones entre ellas y clasificarlas. Clasificarlas de diversas maneras (según su naturaleza en instrumental como la suite y la sinfonía o en vocal como el aria y la cantata, o bien según los distintos periodos, los distintos géneros,… No obstante, una misma forma musical va a variar y “evolucionar” a lo largo de la historia, olvidando a veces los moldes del principio. Por ejemplo la sonata, desde su invención ha ido cambiando a través de los distintos periodos musicales; así nos encontramos con la sonata barroca (Scarlatti, Corelli, Bach), con la clásica (Beethoven), con la impresionista (Bernard Heiden para saxofón)…

ELEMENTOS QUE CONTRIBUYEN A LA FORMA. Dado que la música transcurre en el tiempo, su forma se despliega también a lo largo de éste. Para crear una forma los compositores van a utilizar dos procedimientos básicos que constituyen las características fundamentales de la forma musical, incluso en las obras más simples. Estos son la repetición (literal o con una pequeña variación), y el contraste (para evitar la monotonía), tanto a nivel melódico, como rítmico, armónico, tímbrico… Por ejemplo, en el primer movimiento (Andante grazioso) de la sonata número 11 para piano en La Mayor k331 de Mozart, como en tantas otras composiciones, podemos observar como el compositor elige un tema y posteriormente lo repite con variaciones que van modificando la melodía, el ritmo, el compás, la velocidad, el registro, los instrumentos …

1-MELODIA. La repetición y la recombinación de unos motivos y fragmentos melódicos, así como la clara reiteración de patrones más o menos reconocibles ayudan a crear unidad y la coherencia a la vez que aseguran la variedad. Las secciones de una melodía pueden diferenciarse por su perfil (El tono puede variar por grados conjuntos o por saltos), y por la dirección (puede ser ascendente o descendente). Estas variaciones proporcionan un contraste a pequeña escala que contribuye de manera importante a la forma.

2-RITMO. Otro de los elementos que interviene en la forma musical es la relación entre las unidades de tiempo (más larga o más corta) en un motivo rítmico o entre los distintos movimientos. Los patrones subyacentes más grandes también pueden servir para estructurar una obra. (Los compositores europeos del Medievo a veces utilizaban un esquema rítmico complejo que se repetía a lo largo de la obra. Este procedimiento, llamado isorritmo, brindaba coherencia en caso de que los patrones no fueran tan evidentes para el oyente) En un mayor nivel de detalle puede darse la recurrencia de unos motivos cortos en contextos melódicos y armónicos diferentes, contribuyendo así a la unidad de la obra.

3- ARMONÍA Otro elemento que configura la forma es la armonía. En la música tonal las armonías consonantes son aquellas que suenan estables, las armonías disonantes suenan inestables o parecen chocar, y tienden a resolver en armonías consonantes. Los compositores han sacado partido de la tensión que se establece entre las disonancias y las consonancias, una sensación de impulso y reposo. Entre 1630 y 1900, el sistema clásico occidental de la tonalidad, había regulado las armonías de acuerdo a un complejo juego de convenciones. La tonalidad brindaba un medio poderoso de organización, dado que todas las notas y acordes estaban relacionados de una manera específica respecto a la tónica. Pero algunos compositores del siglo XX, como el alemán Paul Hindemith, o el húngaro Bartok, desarrollaron métodos no tradicionales de crear música, donde entre otros métodos se encuentra el bitonalismo (dos tonalidades superpuestas) , o el politonalismo…Otros compositores siguieron los preceptos del sistema dodecafónico creado por el compositor austriaco Arnold Schonberg. Dado el abandono generalizado de la tonalidad obtenían sus melodías y sus armonías a partir de una serie de doce notas libremente tomadas de la escala cromática. Este tipo de mecanismo en serie de notas, llamado serialismo se extendió a los campos del ritmo, del timbre (colores sonoros), la textura, y demás parámetros musicales.

4-TIMBRE 5-TEXTURA

Vamos a realizar una clasificación de las formas según el periodo musical en el que fueron creadas

CLASIFICACIÓN DE LA FORMAS MUSICALES POR PERIODOS HISTÓRICOS

1-PREHISTORIA:

El tema de la música en la Prehistoria es complicado, ya que no quedan restos materiales, con la excepción de algunos instrumentos musicales encontrados en yacimientos arqueológicos. Por lo tanto es un campo muy teórico, que se desarrolla en base a una serie de estudios anatómicos y del registro arqueológico. No existen formas musicales propias de la época.



2-EDAD MEDIA:
La Música medieval comprende toda la música europea compuesta durante la Edad Media. Esta etapa comienza con la caída del Imperio Romano en 476 y finaliza aproximadamente hacia mediados del siglo XV.
En éste periodo existió tanto música religiosa como secular, aunque de ésta última casi no nos han llegado ejemplos. Debido a que la notación musical se desarrolló tardíamente, la reconstrucción de ésta música, especialmente la anterior al siglo XII, es materia de conjeturas.
Las Formas musicales que se dan en esta etapa histórica son:


LITURGIAS OCCIDENTALES. Se trataba de las distintas formas regionales de cantar la misa (puesto que la misa era la única forma musical permitida), antes de que se impusiese el estilo gregoriano en el siglo VII.
Se trataba de misas en tres partes bien distinguidas, siempre monodia y de estilo silábico. Las más importantes fueron la ambrosiana, la primitiva romana, la visigótica, y la mozárabe.


LAS OBRAS LITÚRGICAS.


CANTO GREGORIANO.


En el siglo VII el Papa Gregorio Magno decidió imponer un único estilo o forma de cantar las misas y las obras litúrgicas, ya en gregoriano.
La idea era fortalecer la fe de la cristiandad y acabar con las diferencias musicales entre regiones, y además para acabar con los indicios de malas interpretaciones teológicas. Esto significó la desaparición de las otras formas. Se trata de un canto llano, monódico, modal, vocal, litúrgico, y predominantemente coral, y a capella.
Sus melodías eran muy fluidas, no sobrepasaron el ámbito de la octava, avanzan por grados conjuntos, están escritas en latín. Su esquema rítmico depende del texto, no de la música (el llamado macroritmo o ritmo libre. Su articulación melódica podía ser silábica, si a una sílaba le corresponden varias notas, melismática, si a una nota le correspondían varias sílabas, o neumática, si mezclaba las dos anteriores, que era lo más habitual, y fue la forma de articulación melódica que se impuso a partir del siglo XI. Ejemplo, “Le Jeu Pascal de Prague”


ANTIFONA

Forma musical y litúrgica propia de todas las tradiciones litúrgicas cristianas. Consiste en una melodía generalmente corta y sencilla, de estilo silábico, utilizada como estribillo que se canta antes y después de los versículos de un cántico, himno o salmo, normalmente en latín, en los servicios religiosos del Oficio y la Misa, como la Víspera.


HIMNO

Forma poética muy antigua. En un principio fue una composición coral en honor a un Dios. Posteriormente fue una composición musical revestida de solemnidad, y usada para transmitir sentimientos como el patriotismo, la religión… El primer compositor de himnos en latín fue San Hilario, en el siglo IV. Después de su muerte, San Ambrosio y otros establecieron su uso regular, que se crearon para ser utilizados en el oficio divino. La mayoría de los compositores de la Edad Media tardía y del renacimiento hacían arreglos polifónicos de himnos de canto llano. En todo caso, himnos y secuencias siempre lo cantaban sacerdotes y coros, nunca la congregación. Pero fue en el s. XVI cuando el himno se convirtió en canto de la congregación, y es una de las reformas que estableció Lutero. Posteriormente los himnos perdieron su carácter religioso para ser profanos.


TROPO
Término musical que hace referencia a una forma introductoria al canto gregoriano, o a un conjunto de estas piezas.
También se usaban como interludio dentro de los cantos, ya fuera con texto o solo con música, con el fin de prolongar y embellecer la liturgia. Existieron distintos tipos de tropos, de los cuales se derivaron las secuencias, según fuera su función en la liturgia. Los principales son los introductorios a los cantos, los originados en el Kyrie, los de gloria, los relacionados con el sanctus y el Agnus Dei. También se encontraban los relacionados con los melismas,…


SECUENCIA

Forma musical nacida entre los siglos XII y XV derivada del tropo. Es una composición musical formada por más de una frase melódica que se repite dos veces, al menos una debe repetirse. El texto si existe, es independiente de la música. En la actualidad aún se conservan algunas como Vene Sancte, Lauda Sion…

ORGANUM
Forma musical que se considera el primer esbozo de la polifonía, y que surge en torno al s. XIII. Está basada en la repetición paralela de la misma melodía, nota por nota pero generalmente a una distancia de quinta justa más aguda .Se dieron varios tipos de organum, puesto que el primero fue evolucionando hasta alcanzar la independencia rítmica y melódica total.
Está el primer organum, que es el primitivo o paralelo. Constaba de dos voces, la primera provenía de una melodía de canto gregoriano, y se llamaba vox principalis, situada siempre en el registro más agudo. Y esa voz era doblada por una segunda, llamada vox organalis, que trataba de doblar la primera a una cuarta o quinta más grave.
Más tarde se creó el compuesto, que partía del primitivo. Se creó una tercera voz que doblaba la primera una octava más grave, por lo que no hay ninguna independencia rítmica ni melódica entre las voces., hasta el siglo XI, que va a dar lugar al tercer tipo de organum.
A este tercer tipo, se le llamó organum libre, puesto que ya se consigue en parte esta independencia melódica por el llamado movimiento oblicuo (la primera nota de la primera voz es la última de la segunda, y así sucesivamente), o por el especulo (reflejo o espejo).
Por último nos vamos a encontrar con el organum melismatico, en el que se llega a la independencia total, rítmica y melódica.


CONDUCTUS
Forma musical en verso latino que surge en torno al s. XIII.
Composición latina medieval sobre una tonada popular o sobre una melodía original profana o religiosa, y sobre versos latinos, que pueden ser monódicas, como lo fueron en un principio, o polifónicas, como es el caso de las compuestas por Perotinus. En el segundo caso, las sílabas del texto suelen ser cantadas al mismo tiempo (canto homofónico, las voces van ritmadas idénticamente) por todas las voces.
A diferencia del organum, del discanto o del motete, el conductus polifónico no se realizaba sobre textos litúrgicos, y no se realizaba sobre canto llano o gregoriano, sino sobre cantus firmus.
En algunos casos, el cantus firmus escogido se interpretaba en notas cortas (quizás por su naturaleza melismática), con lo que el tenor se movía con más o menos la misma velocidad que las voces agudas.



El anónimo IV sigue atribuyendo a Perotinus la composición de conductus a tres y cuatro voces. Se trata de creaciones originales, sin préstamos del uso litúrgico.
No obstante, en el siglo XIII el conductus no dio materia para un repertorio anotado tan abundante como el motete. Y además la exigencia de estos dos géneros son contradictorias; el motete presenta una polifonía escalonada, donde el elemento contrapuntístico es preponderante, mientras que el conductus admite como hemos dicho una estructura vertical, monotextual, en la que todas las voces pronuncian las mismas palabras al mismo tiempo. De todos modos, el conductus será en el futuro una fuente fecunda, tanto para el motete como para la canción.





MOTETE


El motete se desarrolla en el siglo XIII, a partir de la clausula de organum (los compositores solían tomar un pasaje florido del canto gregoriano, transcribirlo en notas largas y añadir otras partes vocales encima) Por supuesto el organum continúa su camino, pero ya no es una forma de actualidad y el ámbito de investigación se desplaza hacia el motete y el conductus.
Como sucede con el proceso de constitución del canto llano, es posible evaluar la importancia del hecho lingüístico en la elaboración de esta nueva forma, pues el motete no es otra cosa que una cláusula adicional de palabras, llamadas según el vocabulario de la época “tropada”.

Las características principales del género eran el uso de más de un texto de forma simultánea, a veces en idiomas diferentes, así como la utilización de un segmento de canto gregoriano en la parte vocal más grave. Se dice que el resultado no era tan catastrófico como podríamos imaginar!!, pues el ámbito general era entre una quinta y una octava para las tres voces(normalmente), y la naturaleza de los textos y su tratamiento rítmico garantiza la percepción de las diferentes voces y mensajes literarios, llegando a ser el resultado espectacular.

En la corriente del siglo XIII el motete se va a desarrollar en tres direcciones diferentes: lingüística (transformación de los textos), rítmica (vida y muerte de los modos, ya que los polifonistas del Ars antiqua utilizaban un sistema de seis esquemas modales inspirados en teorías métricas antigua ) y estética (paso de la Iglesia al concierto, con predominio del aspecto profano de los textos, pues a finales del siglo adoptará la lengua vulgar y tendrá inspiración galante…se utilizará para cantar a la mujer amada, para celebrar la llegada de la primavera o expresar la pena de amor…).

La estructura musical de los motetes se volvió más complicada en el siglo XIV e incorporó la técnica de la isorritmia, la repetición de patrones rítmicos y melódicos separados y superpuestos
Compusieron motetes Petrus de la Croix, Guillaume de Machaut…

BALADA

Forma poética escrita para ser acompañada con música, cuyo origen se remonta a las fuentes medievales italianas y provenzales. La forma se elaboró por primera vez de manos del poeta y compositor francés del siglo XIV Guillaume de Machaut.
Desde el punto de vista musical, la balada se ajusta al modelo AAB. Ofrecía típicamente una voz superior que era cantada, y dos voces más bajas que pudieron haber sido vocalizadas, o se realizaban con instrumentos. Los trovadores y troveros compusieron baladas monofónicas, pero a partir de Machaut todas eran polifónicas



3-RENACIMIENTO

La música del Renacimiento o música renacentista es la música escrita durante los años 1400 y 1600, aproximadamente. Dentro de la Música religiosa del periodo musical conocido como el Renacimiento vamos a destacar las principales formas musicales que se daban en la época.


Las formas litúrgicas más importantes durante el Renacimiento fueron la misa y el motete.


MISA.

Distinguimos distintos tipos de misas:
· Misa de cantus firmus: el autor toma una melodía preexistente, bien procedente del canto llano o bien de alguna canción profana y la sitúa en una de las voces, habitualmente la llamada Tenor. Las otras voces son creadas ex novo, completando una textura generalmente a cuatro voces, y son llamadas Cantus o Superius, Contratenor Altus (luego Altus) y Contratenor Bassus (luego Bassus).
Una variante de este tipo de misa es la de paráfrasis, en la que la melodía preexistente es fragmentada y repartida entre las cuatro voces, como ocurre en la Misa Pange Lingua de Josquin Desprez.

· Misa parodia o de imitación: el compositor toma un motete o una canción polifónica anterior, este ya de tipo polifónico, y utiliza el material melódico y armónico: motivos de imitación, cadencias típicas o a veces incluso fragmentos completos, pero reelaborando el material, añadiendo motivos y a veces voces nuevas. Ejemplo la Misa //Mille regretz// de Cristóbal de Morales, basada a su vez en una canción


MOTETE

Era una pieza polifónica de texto sacro y en latín. Deudor en un principio del motete medieval, del cual procedía, pronto asumió una continua textura imitativa de voces de igual importancia. En el motete el autor generalmente creaba material puramente original, sin tomar préstamos ajenos como en la misa. En el siglo XVI se desarrollan amplios motetes. Como ejemplos sobresalientes de motete renacentista son el Ave Maria de Josquin o el Lamentabatur Jacob de Morales.
. Sin embargo, a partir de 1600, se empezaron a emplear de forma habitual instrumentos y voces solistas. Los motetes tendían a parecerse a otros tipos de música, como la cantata o las canciones solistas. El madrigal italiano del siglo XIV era una forma poética y musical. Por lo general el poema constaba de dos o tres estrofas, cada una de ellas de tres versos, a la que seguía un estribillo de dos versos pareados. La música estaba compuesta para dos voces o partes, a veces para tres, y la melodía de las estrofas difería de la del estribillo. Predominaban los temas galantes.



MADRIGAL


La forma y el estilo del madrigal italiano del siglo XVI tienen pocos elementos en común con la forma y el estilo del madrigal del siglo XIV. El del siglo XVI fue concebido no sólo como una pieza para coro, sino como música vocal de cámara. Solía basarse en textos de elevada calidad literaria. La forma musical del madrigal del XVI evolucionó en tres etapas: la primera (desde c. 1525-c. 1560), la media (c. 1560-c. 1590), y la tardía (c. 1590-c. 1620).
Los madrigales de la primera etapa se componían en un estilo musical homofónico (una melodía predominante y un acompañamiento subordinado) y solían armonizarse a cuatro voces. Sin embargo, las partes vocales a veces eran interpretadas o duplicadas por medio de instrumentos. Los compositores de madrigales más significativos de este periodo fueron el holandés Jakob Arcadelt y el flamenco Philippe Verdelot.
Los madrigales de la etapa media solían ser polifónicos (dos o más partes de voces independientes), más expresivos y, a menudo, más imitativos en lo musical o descriptivos de los sonidos humanos y de la naturaleza. Los compositores comenzaron a preferir las texturas de cinco o seis partes a las de tres y cuatro voces. Los flamencos Adrian Willaert, Philippe de Monte y Orlando di Lasso destacaron como compositores de madrigales de esta etapa media.
Los madrigales de la etapa tardía solían utilizar progresiones armónicas audaces y cromatismos (el uso de las notas cromáticas en general sirve para conducir una melodía o pieza musical de una tonalidad a otra) con el fin de producir efectos dramáticos o emocionales intensos. También utilizaban con frecuencia la voz solista, a menudo de una manera virtuosa (de gran maestría técnica). Los compositores de madrigales de este periodo tardío fueron los italianos Luca Marenzio, Carlo Gesualdo y Claudio Monteverdi.



Con respecto a la Música vocal profana del renacimiento podemos encontrar las siguientes formas musicales (La analizaremos por zonas)

· En Italia, nos encontramos con:
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La villanella.
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La frottola
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El madrigal.
· En España tenemos las siguientes formas:
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El romance.
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La ensalada.
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El villancico.
· En Francia, una vez superadas las formas medievales nos encontramos con:
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La Chanson.
· En Inglaterra se imitó el estilo madrigalístico:
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El Madrigal.


Con respecto a la Música instrumental del renacimiento las principales formas instrumentales de la época fueron:

  • Formas derivadas de modelos vocales: al tocar habitualmente los instrumentistas piezas vocales, compusieron formas similares, si bien sin texto: del motete derivaron piezas polifónicas imitativas, llamadas ricercare, fantasía o tiento, mientras que de la chanson.
  • Danzas: una de las funciones tradicionales de los instrumentistas era, naturalmente, el acompañamiento de la danza. Solían estar escritas a cuatro voces, en una sencilla textura homofónica. Hay abundantes ejemplos de danzas de todo tempo y compás, como la bajadanza, la pavana, la gallarda, la alemanda o la courante.

4-BARROCO

La música del periodo barroco es el estilo musical, relacionado con la época cultural europea homónima, que abarca desde el nacimiento de la ópera en el siglo XVII (aproximadamente en 1600) hasta la mitad del siglo XVIII (aproximadamente hasta la muerte de Johann Sebastián Bach, en 1750). En este periodo se distinguen las formas instrumentales de las formas vocales

Formas vocales:

LA ÓPERA.

Las corrientes humanistas buscaban una renovación del antiguo teatro griego, en particular el grupo conocido como camerata florentina, basándose al mismo tiempo en formas musicales recientes, como el drama litúrgico, el drama pastoral, las comedias madrigalescas con figuras de la commedia dell'arte y los intermezzi teatrales. Entre las primeras óperas conservadas se cuentan Dafne de Jacopo Peri, cuyo tema fue tomado de las Metamorfosis de Ovidio, Eurídice de Giulio Caccini y Orfeo de Claudio Monteverdi.

EL MOTETE

El motete es una forma musical ya marginal en el Barroco. La denominación se reserva para ciertas composiciones religiosas corales escritas a varias voces iguales, frecuentemente en un estilo obsoleto. En el siglo XVII mantuvo cierta vigencia en Alemania e Italia, y en el XVIII aún se usaba a veces la palabra para designar algunas
cantatas de estilo concertante.


LA CANTATA

La forma cantata va a ser diferente en los distintos periodos barrocos, pero va a ser en el barroco pleno cuando va a adquirir sus características definitivas, y queda plenamente definida como una canción vocal, solística, con acompañamiento instrumental, de alta calidad literaria y de elevada dificultad técnica, cuya temática es mitológica, moralizante, amorosa, crítica…Dada su calidad, y su demanda, la componían muchos, entre otros Carissimi, Cesti, Scarlatti, Rossi… A finales del Barroco pleno va a surgir un nuevo tipo de cantata de temática religiosa, aunque estructuralmente era idéntica a las anteriores.


ORATORIO

Forma musical predominantemente coral, pues se da menos importancia a los solistas, que se dividía en dos actos, entre los cuales iba el sermón de
la misa. El oratorio iba dirigido a los fieles, para hacer más atrayentes las misas. El gran maestro del oratorio era Carissimi, quien poseía una gran capacidad para la música descriptiva, que era precisamente el caso de los oratorios, porque en él, a diferencia de la ópera, no había ni escenografías ni vestuarios, tan solo un personaje que hacía las veces de narrador situando al espectador en el espacio y en el tiempo.

Va a haber dos tipos de oratorio, uno es el latino, porque está escrito en latín, y otro será el vulgare, escrito en la lengua vulgar, que era el italiano. Un ejemplo magnífico de oratorio latino será Jephté, y uno de oratorio vulgare Daniel.

Dentro del oratorio estaba la pasión, que era un oratorio alemán que se define como la musicalización del pasaje bíblico de la pasión y muerte de Cristo.
No nos vamos a encontrar ejemplos dignos de mención hasta que llegan Bach y Telemann. Son de Bach la pasión según san mateo, y la pasión según san Juan.




Formas instrumentales:

SONATA

Forma musical que empezó a cultivarse como tal en el s.XVI en Italia. Se trata de una forma instrumental concebida para un reducido grupo de instrumentos de cuerda que normalmente está estructurada en cuatro movimientos, ordenados de tal manera que vayan alternándose los movimientos rápidos con los lentos. Se distinguen en este momento dos tipos de sonatas cuya forma diseña y representa Arcangelo Corelli. Por una parte esta la sonata da Chiesa, sonata de iglesia, cuyos cuatro movimientos siguen la secuencia lento-rápido-lento-rápido. Llama la atención que el contraste entre los movimientos no es tan acusado como es habitual en la música barroca, puesto que la idea es no romper con el recogimiento espiritual. El otro tipo de sonata es la sonata da camera, sonata de casa privada, debido al carácter laico de la misma, por lo que sí denota contrastes más acusados entre los movimientos. Sus movimientos suelen tener nombres de danzas, los mismos que los de las suites: allemande, courante, sarabande y gigue. Pasados los años, Corelli creará un nuevo tipo de sonata, la llamada triosonata, aunque no por eso deja de ser sonata da Chiesa o da camera. Lo que cambia es su estructura interna, disminuye simplemente el número de instrumentos, está concebida para dos instrumentos solistas de igual timbre, generalmente dos violines, que llevan a cabo la melodía principal, y tiene un tercer instrumento más grave que lleva a cabo la función de bajo continuo y de soporte armónico. A veces se añade un cuarto instrumento.

Entre los más célebres autores de sonatas están Corelli, Vivaldi y Bach.

PRELUDIOS

Los preludios son piezas de dos o tres páginas con una dosis de técnica. Son piezas expresivas, cargadas y con libre interpretación, ya que los trinos y los ornamentos son libres (los crea el propio ejecutante, sin que estén escritos).


FUGA:

Las fugas suelen ser a 2, 3, 4 ó 5 voces. Una fuga a dos voces significa que hay un voz con una célula (uno o dos compases) que crea un motivo (una melodía) y al cabo de un tiempo la otra voz lo imita.

4. Tocatas:
5. Fantasías:

SUITE
Forma instrumental que curiosamente no nació en Italia, ni en Francia, sino en Alemania. Es un conjunto de movimientos o piezas de danza agrupados. A menudo tenía seis partes: (Los alemanes a cada pieza o danza le van a otorgar una procedencia distinta, aunque más bien era la visión que ellos tenían de cada país). Yo pienso que cada una de ellas por separado puede considerarse formas musicales, puesto que en todas ellas existe un patrón de características establecidas.
Allemande, danza alemana de compás cuaternario y tempo moderado. (Alemana)
Courante, movimiento que generalmente es un poco más rápido que el anterior, de compás ternario. (Francesa)
Zarabanda, danza lenta de compás ternario que acentúa característicamente su segundo pulso, de origen español. (Hispanoamericana)
Giga, danza rápida en diversos compases de subdivisión ternaria, de origen irlandés.
Minué, obra parecida a un vals, suelen ser dos emparejados los minués que constituyen la suite.
Rondó, pequeña obra basada en la variación de un tema (A), con intrusiones de B, C, D… Ejemplo, las suites solistas para violonchelo de Bach.

Sin embargo, en Francia la suite no va a ser de carácter camerístico, sino que va a hacerse una versión orquestal de la suite, conocida como la “Suite Overture”. Ejemplo, la suite de Roland.


TOCATAS

FANTASÍAS

CONCIERTO

El concierto es la versión orquestal de la sonata, por lo que consta de cuatro movimientos, alternándose en rápido-lento-rápido-lento.



CONCIERTO GROSSO


Los diferentes tipos de conciertos, son la versión orquestal de la sonata. En él, a diferencia del la sonata, cada parte es ejecutada por más de un instrumento, como ocurre en la orquesta. Precisamente la intención de Arcangelo Corelli fue esa, crear un concierto en versión orquestal.
En él, se alternan las partes solistas, que eran siempre instrumentistas de cuerda, con los tuttis. Ejemplo, concierto grosso per la note di natale, de A. Corelli.



5-CLASICISMO

A mediados del 1700 en Europa se empieza a generar un nuevo movimiento en la arquitectura, la literatura y en todas las artes en general, conocido como clasicismo. El clasicismo musical o período clásico comienza aproximadamente en 1750 y termina alrededor de 1820. Las formas musicales más importantes de este periodo histórico son las siguientes:


SONATA

Tiene tres o cuatro movimientos. En el primer movimiento se sigue un esquema con tres partes, primero una exposición en la que el compositor nos presenta dos temas, uno enérgico y otro más melódico. En segundo lugar, el desarrollo en el que se establece una lucha entre los dos temas. Finalmente la re exposición, en la que la tensión armónica se resuelve al volver a escucharse los temas iniciales. El segundo movimiento, lento, suele ser un tema más melodioso, utilizándose un lied, con forma ternaria y lírica. El tercer movimiento tiene un carácter más desenfadado, generalmente en forma de minueto, danza de origen francés.(Scherzos tratándose de Beethoven). En el cuarto movimiento se adopta casi siempre la forma del rondó; alterna secciones fijas con variables. La sonata propiamente dicha está escrita para un solo instrumento o bien para un pequeño conjunto de dúos, tríos. La forma sonata, si es para una agrupación de cámara, puede ser un cuarteto, quinteto, etc. Si es para una orquesta, recibe el nombre de sinfonía, y si es orquestal pero con un solista, concierto.

ÓPERA

En el siglo XVIII se había convertido en un fastuoso espectáculo de la corte, a través del cual los monarcas y los aristócratas exhibían su esplendor. Los temas se referían a la mitología y representaban grandes tragedias lírico-heroicas, montadas con gran aparatosidad, la
ópera seria. Por el contrario, las clases sociales menos favorecidas contaban con su propio teatro musical, pequeñas actuaciones satírico-burlescas, la ópera buffa. De breve duración, su argumento es muy simple, recurre a la expresión directa en lenguaje coloquial y se sirve de dos o tres personajes solamente, reduciendo al máximo los elementos musicales, en los que desde luego están ausentes los coros y cobra la mayor importancia la melodía popular de fácil construcción.


Otras formas musicales que se dan en la época son:

SINFONÍA(PULSAR PARA AMPLIAR CONTENIDO)

AUBADA

BALLET

CANTIQUE

ESTUDIO

IMPROMPTU

INTERMEZZO

LIED

MAZURCA

NOCTURNO

POLONESA

QUATUOR

RÉQUIEM

RONDO

SERENATA

DIVERTIMENTO

MISA

CUARTETOS PARA CUERDA

TRIOS PARA PIANO